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Notice - お知らせ
このサイトには現代美術作家の山本晶大が制作したアート作品や仕事での制作物の一部を掲載しています。作品の写真や映像および文章の無断転載はご遠慮ください。
依頼やお問合せ、ご要望などがございましたら Contact内にあるメールフォームよりご連絡ください。
記入していただいた連絡先に折り返しメールさせていただきます。
なお、スパム等と思われるメッセージには返信いたしませんのでご了承ください。
This is Akihiro Yamamoto's official web site. Please do not reproduce the photos, videos, or texts of the works without permission.
If you would like to see the actual works, or commission a work, please contact me through "Contact" or SNS. I will reply to your e-mail address. (But I do not reply to any scam message.)
11月に大阪で開催される、You are different 京町堀アートフェア2025へ出展します。
62組の作品が京町堀界隈15会場で展示され、私はChignittaというギャラリーでLost landscapes シリーズの新作を展示販売させていただく予定です。大阪近辺にお住まいの方や興味がおありの方はぜひお越しください。
日時：11月1日(土) 14:00~19:00 / 2日(日) 13:00~19:00 / 3日(月・祝) 13:00~17:00
場所：大阪府大阪市西区京町堀１丁目１３−２１ １F奥 Chignitta
Lost Landscapes Series の「駐車場の上にかつてあった3つの建物」が ART OLYMPIA 2024にて最優秀賞に選ばれました。
この作品の詳細はこちら： Lost Landscapes series
なお、この作品は買い上げとなったため、現在は静岡県熱海市にある山口美術館に所蔵されております。
機会がありましたらご覧にお越しください。
My work "Three buildings that once stood above the parking lot." from the Lost Landscapes series won the first prize at the international competition ART OLYMPIA 2024.
This work collected by the Yamaguchi Museum of Art, in Atami City.
Art Works
↓ Please scroll down.
Lost Landscapes series
Painting / Since 2023 -
ショッピングモールは夢を見る ( Dreaming shopping mall after closing. )
Single channel video / Apr-May.2024 / Okayama
生口島のゲストハウスのためのコタツテーブル ( Kotatsu Table for Guesthouse in the Ikuchi-jima island )
Kotatsu Table / Apr.2024 / Hiroshima
シドラハウスのための書架 ( Bookcase for Siddra House )
Collaborative work with Shooshie Sulaiman / Sep.2023 / Hiroshima
牛をひく、鹿野にて ( A torn world, from Shikano. )
Single channel video / Shikano Art Festival 2022 / Tottori
昔、ここは海だった ( Once upon a time, here was the sea. )
Art installation / Nov.2021 / Okayama
骨とミイラと ( Bones and Mummies )
Art installation / Oct.2019 / Okayama
空き家と雨と虫 ( Vacant house with rain and insects. )
Art installation / Oct.2018 / Shikano Art Festival 02 / Tottori
Nostalgia ( ノスタルジア )
Collage / Sep-Nov.2018 / Berlin
目目連 ( Mokumokuren )
Video installation / Mar.2017 / Tottori
Die Verwandlung ( 変身 - Metamorphosis )
Video installation / Jan-Feb.2017 / BERLIN WEEKLY GALLERY
滞在制作作品 in ライプチヒ ( A Port Town )
Art installation / Nov.2015 / Leipzig
天井をご覧ください ( Look at a ceiling )
Video installation / Oct.2013 / Hiroshima
廃墟崩し ( Break Ruins )
Single channel video / Aug.2012 / Hiroshima
白昼夢 ( Daydream )
Art installation / July.2012 / Hiroshima
mori - 鳥がいない ( The forest - No birds )
Art installation / Jan-Feb.2012 / Hiroshima
アトリエ三角堂 ( Atelier Sankakudo )
Art installation, Renovation / Feb.2010 - Mar.2016 / Hiroshima
Profile
山本 晶大 - Akihiro Yamamoto
古い建物や道具、失われたものや失われていくもの、虫や死骸、人々が目を逸らしているもの、あるいは意識すらされていないものをモチーフとしてよく使用し、失われていくものの儚さや、不都合なものから目を逸らすことの危うさ、視点を変えることの面白さや重要さをテーマとして、建築物や映像表現などを用いたインスタレーション作品を主に制作しています。
私が育った海辺の小さな村の前には、昔の大地震と津波によって一つの村が海底に沈んでいると幼い頃に教えられました。次はこの村が沈むという恐怖と幼少期から向き合いながら育った私の価値観や世界観の根底には、強い無常観と危機感があり、私の作品に深い影響を与えています。
高校生頃から写真撮影やフィルム現像を始め、荒涼とした海辺の風景や廃墟、打ち捨てられたものなどを撮影し、自分の世界観や心の内を表現することに目覚めました。そして目の前の風景を心象風景に近づけるために空間に手を加えていくうちに、インスタレーションという表現手法に強い関心を抱き、次第に写真から空間的な表現へと移行していきました。
大学生時代を過ごした広島県の尾道市には、市街の中心部に江戸時代から昭和頃にかけて建てられた建物が大量に空家化している斜面地があり、そこで空き家の再生活動に関わり始め、建築家や職人の方々と共に空き家の補修や改修を行うことで建築に関する知識や技術を得ると同時に、日本の地方が直面している人口減少や空家増加などの社会問題、そしてその背後で失われていく様々な歴史や文化と向き合いながら、空き家などを用いたインスタレーションの制作などを行ってきました。
その後、ドイツ・ベルリンに渡ってオラファー・エリアソンの教え子が集うアトリエでアーティスト・アシスタントの仕事を行ったり、建物の補修や改修をする仕事などを行ったりしながら創作活動を続け、ヨーロッパの建築や都市のあり方、アート事情などに触れることで、アートや建築に関する理解を深めていきました。特に学術論文や科学技術・生物工学など他分野の知識や技術を積極的に取り入れながら制作を行っていたアーティストたちの姿勢は、その後の私の制作やリサーチに影響を与えています。
2018年に帰国して岡山へ移住後、コロナ禍での滞在制作の中止や子供の誕生によるライフスタイルの変化に直面したことにより、現地に滞在してリサーチや制作を行うことが難しくなってきたため、新たな作品展開として2023年よりLost Landscapes seriesの制作を開始し、活動の幅を広げています。
Growing up in a small seaside village in Japan, I lived with the knowledge that another nearby village had long ago sunk into the sea due to a major earthquake and tsunami. This ever-present awareness of impermanence and crisis has profoundly shaped my values and worldview, influencing the themes and methods in my artistic practice.
I began taking photographs and developing film during high school, focusing on desolate seaside landscapes, abandoned buildings, and discarded objects. My interest in expressing a personal worldview and inner mind through these images led me to experiment with modifying spaces to reflect my mental landscapes, eventually drawing me toward installation art as a primary expressive medium.
During my university years in Onomichi City, Hiroshima Prefecture, I was surrounded by sloping neighborhoods filled with vacant buildings from the 19th and early 20th centuries. Inspired by these structures, I created installations within empty houses, applying architectural techniques I had learned from working with architects and craftsmen on renovation projects. Later, I moved to Berlin, where I worked as an artist assistant and house meister, gaining exposure to European architecture, urbanism, and the art scene. This experience deepened my understanding of spatial expression.
Since returning to Japan, I have been based in Okayama Prefecture, creating work primarily in the Chugoku-Shikoku region, including Okayama, Onomichi, and Tottori. My recent works often incorpo- rate old buildings, tools, forgotten or discarded objects, insects, and animal carcasses—elements that people tend to overlook or avoid. These research-based installations utilize architectural objects and video to explore themes of fragility, the dangers of turning away from uncomfortable realities, and the importance of shifting one's perspective to find value in overlooked or neglected things.
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2008 - 2009 TOSA美術アカデミー
2009 - 2013 尾道市立大学美術学科（卒業）
2013 - 2015 広島県 尾道市を中心に活動
2015 - 2018 ドイツ ベルリンを中心に活動
2018 - 2025 岡山・尾道を中心に中四国地域で活動中
2008 - 2009 Learned basis of Art at TOSA Art Academy.
2009 - 2013 Complete the Art course of Onomichicity University.
2013 - 2015 In Onomichi-city Hiroshima, Japan.
2015 - 2018 In Berlin, Germany.
2018 - 2025 In Okayama, Japan.
Award
Art Olympia 2024 最優秀賞 (Grand Prize)
Solo exhibition
2012 mori 鳥がいない (The forest - without a bird): Komyoji-Kaikan Gallery, Onomichi Hiroshima Japan.
2012 白昼夢 (Daydream): Onomichi Hiroshima Japan.
2013 迷図 (Maze): Idobata studio, Onomichi Hiroshima Japan.
2014 Solo exhibition @ Gallery bar Baku: Gallery bar Baku, Onomichi Hiroshima Japan.
2015 A port town: Das Japanische Haus, Leipzig Deutschland.
2017 Die Verwandlung: BERLIN-WEEKLY GALLERY, Berlin Deutschland.
2019 骨とミイラと (Bones and Mummies): HYM Building, Uno Okayama Japan.
2024 ショッピングモールは夢を見る (Dreaming shopping mall after closing): Museum of Tamano, Okayama Japan.
Group exhibition
2011 伝書鳩 (A carrier pigeon): Jodoji-temple, Onomichi Hiroshima Japan.
2013 尾道市立大学卒業・修了制作展優秀作品展(Selection works from the Onomichi City University Graduation Exhibition)： Museum of Onomichi University, Onomichi Hiroshima
2013 カゲナゲル (Kagenageru): Guesthouse Anago-no-nedoko, Onomichi Hiroshima Japan.
2017 目目連 (Mokumokuren): Shikano Tottori Japan.
2017 Shikano Artfestival 01: Shikano Tottori Japan.
2018 Art performance 苔の檻 (Koke no Ori): Bärenzwinger, Berlin Germany.
2018 Ferne Verwandtschaften: Japanisch-Deutsches Zentrum, Berlin Germany.
2018 鹿野芸術祭02 (Shikano Art festival 02): Shikano Tottori Japan.
2021 昔、ここは海だった (Once upon a time, here was the sea): Hayashima Okayama Japan.
2022 鹿野芸術祭2022 (Shikano Art festival 2022): Shikano Tottori Japan.
2023 幻のミュージアムショップ (Phantom Museum Shop): Tamano Okayama Japan.
Workshops & Events
2015 Make a small house!: Amakusa nursery, Amakusa Kumamoto Japan.
2015 Abbauen und Abwanderungswerkstatt: Das Japanische Haus, Leipzig Germany.
2019 水辺のキッチン(Social kitchen) Renovation Workshop: Tamashima Okayama Japan.
2020~ 迷宮堂 (Onomichi Labyrinth House) Renovation Workshop: Onomichi Hiroshima Japan.
2022~ ずくりワークショップ 玉地区を歩く: Uno Okayama Japan.
2024 南北楽観主義 Vol.3 パフォーマンス「騒音の時代」: Uno Okayama Japan.
Reviews
不在への眼差し-山本晶大の実践 / Eyes on the Absence – Akihiro Yamamoto’s Artistic Practice
小野環 / Tamaki Ono
アーティスト / Artist
尾道市立大学 芸術文化学部 美術学科教授 / Professor, Faculty of Art and Design, Onomichi City University
NPO法人尾道空き家再生プロジェクト副代表理事 / Vice President, NPO Onomichi Vacant House Restoration Project
AIR Onomichi 実行委員会代表 / Representative, AIR Onomichi Executive Committee
山本晶大は独自の構想力と持続力を備えた実践者だ。既存の物や場所、とりわけ、失われゆくものや日常の中で忌避される存在など、我々が無意識的に見逃している事物の存在を丁寧に受け止めつつ、それを新たな創作へと繋ぐ手法で活動を展開している。
私の目線から見ると、活動の方向性が定まるに至った背景には、活動初期に深く関わっていた尾道の独自な環境と当時そこで始まったばかりのいくつかの活動との出会いが大きく関与しているように見える。尾道は、瀬戸内海に面する850年以上の歴史を持つ港町で、商業の要衝として栄えた。海と山に挟まれた平地には商店街が形成され、斜面地には歴史ある社寺の間を縫って1900年代前半から多くの家屋が建てられたが、ライフスタイルの変化や平地への人口流出により、空き家や廃墟化した建物が増加している。尾道には、過去の繁栄の記憶と、空き家問題という現代では各地で慢性化している課題がユニークな形で同居している。山本はこの地に2009年からドイツに行くまでの6年間居住し、現在は玉野市の宇野港を拠点としているが、今なお尾道は彼が多くの関わりを持っている場所だ。
山本の創作のベースには、尾道に来る以前、高校時代に経験したオーストラリアでの滞在も影響していると言えるだろう。彼は現地の美術館で現代美術に触れ、インパクトを受けると同時に、1年間の留学中には演習授業を通じて溶接や木工といった実践的な技術を習得したという。その後、2009年に尾道市立大学に入学した山本は、こうした経験を踏まえ、尾道の場の特性と自身の当時から抱いていた興味を重ね合わせつつ活動を始めることになる。彼は入学当初から家具の修復に関心を持ち、その延長でごく自然に2007年に発足した尾道空き家再生プロジェクトに参加するようになった。「建築塾 再生現場編」などの活動に積極的に関わり、現場で職人たちに学び、交流しつつ、リノベーション現場における技術や知識を吸収していったのだ。また、空き家や廃墟を舞台に行われているアーティスト招聘事業「AIR Onomichi」では、国内外のさまざまな作家のアシスタントを務め、その制作現場で作家の創作理念に触れ、テクニカルなスキルも磨いていった。そして早くも学部一年の冬には斜面地にある一軒の空き家を借り受け、自らコツコツとリノベーションを開始した。当時、すでにこのプロジェクトを卒業制作にしようという計画が明確であったというから、彼の構想力と持続力には脱帽だ。オープンスタジオなどのイベントなどで「三角堂」というそのユニークな外観に由来する名を冠したコンパクトなスタジオは折に触れ公開され、3年後の大学の卒業制作展においてもリノベーションのドキュメントと同時に場所自体も展示会場として開かれたのだった。
尾道で見出した方向性の展開には、その後2015年から3年間のドイツでの経験も影響を与えているだろう。高知―オーストラリアー尾道―ドイツー岡山という移動経験が、山本の創作手法の発展に有効に働いたことは想像に難くない。
山本の創作には、素材や場所を尊重し、その存在との協働的なプロセスを重視する一貫した姿勢が見られる。彼は常にゼロから新たな設計に挑むのではなく、既存のものや環境の持つ性質を受け止め、創作へと展開する手法をとっている。卒業制作で取り組んだ空き家のリノベーションや骨やミイラを用いた作品、各地での場を用いたインスタレーション、さらに、失われた建築の敷地を覆うアスファルト素材に白線塗料で建築を描く近年のアイロニカルな平面作品に至るまで、素材の属性や場の来歴そして可視的部分の背後にある過去や不在、そして死や喪失が表現されている。このサイトスペシフィックであり時にメディウムスペシフィックなアプローチには、素材や場との対話によって見出された要素の再結合によってもたらされる異化効果で遊びつつ、そこに新たな価値を創出しようとする彼の姿勢が色濃く反映されている。これらの作品やプロジェクトは、彼自身の持つ経験値とフィールドでの詳細なリサーチ、そして構想を実現化する過程における持続力の産物である。それらは単なる形や素材の視覚的要素を超え、そのものや場所自体に刻まれた来歴や物語を新たな経路で私たちに語り始める。
Akihiro Yamamoto is an artist whose practice is deeply rooted in material, place, and memory. With a distinct conceptual clarity and an acute sensitivity to absence, his work engages with objects and spaces that often go unnoticed—things lost, displaced, or slowly eroding from collective memory. Rather than imposing new structures, Yamamoto recontextualizes existing materials, drawing attention to their histories, transformations, and the silent narratives they carry.
His artistic language was profoundly shaped by Onomichi, a port town with over 850 years of history. Once a thriving commercial center along the Seto Inland Sea, Onomichi developed with narrow shopping streets at its base and residential areas rising into the hillside. However, as Japan’s urban landscape shifted, the town saw a rapid increase in vacant and abandoned buildings. This co-existence of historical resonance and urban decay became a defining backdrop for Yamamoto’s early work, influencing his approach to material and site-specificity.
Between 2009 and 2015, Yamamoto immersed himself in Onomichi’s evolving urban fabric, actively engaging in community-led restoration projects. His participation in the Onomichi Vacant House Restoration Project and AIR Onomichi, an artist-in-residence program utilizing abandoned houses and ruins, allowed him to refine his technical skills while deepening his exploration of architectural memory and spatial intervention. By his first undergraduate year, he had already initiated the transformation of a derelict hillside house into a functional studio—an endeavor that would later become both his living space and a conceptual project.
Titled Sankakudo (Delta House) after its distinct triangular form, this studio evolved into an exhibition space, an open studio, and ultimately, a site for critical discourse on preservation, adaptation, and artistic intervention. The final presentation of his renovation, showcased as part of his graduation exhibition, functioned not only as documentation but as an active dialogue between art, architecture, and time.
Yamamoto’s later experiences in Germany (2015–2018) introduced further layers to his methodology. His movements—from Kochi to Australia, Onomichi to Germany, and now to Okayama—have continuously shaped his understanding of spatial histories and transitional landscapes. His practice remains committed to an investigative process, where research, material engagement, and conceptual inquiry intersect.
Whether working with found architectural remnants, organic materials such as bones and mummies, or ephemeral interventions that respond to the built environment, Yamamoto’s works are unified by a profound meditation on loss, temporality, and the unseen. His recent asphalt paintings, where he outlines the footprints of erased buildings using white road-marking paint, are a stark yet poetic commentary on urban erasure and the politics of memory.
His site- and medium-specific approach challenges conventional artistic production, instead fostering an open-ended process where history, materiality, and human absence converge. In each work, Yamamoto creates a delicate balance between presence and disappearance—offering not just a visual experience, but a conceptual space for reflection on what is no longer there.
Selected Attitude
シュシ・スライマン / Shooshie Sulaiman
現代アーティスト / Artist
重要なのは、外的アイデンティティと内的アイデンティティの組み合わせによる創造性の解釈である。
Selected Attitudeは、私が選んだアーティストのアイデンティティの再配置を強調するために用いる観察評価モジュールである。かつて共に生活をしたり協働したりしたアーティストたちの現実の環境に焦点を当てている。私にとって、これは創造的な実験の一形態であり、アーティストの芸術的価値を批評するレンズを通して、各アーティストを個人としてよりよく理解するためのアプローチである。このプロセスは、一見ランダムに、しかし有機的に構成された方法で、私の領域に入ってくるクリエイティブな人々の間でバランスの取れた集団を形成するのに役立っている。
私は、私たち全員が互いに批判的かつ創造的なサポートに貢献することが重要だと考えている。
多くのアーティストが自分の作品を批評的に評価することに苦労し、代わりに既存のプラットフォームに従うことを選ぶことが多い。その結果、真にアートを創造するのではなく、アートのプラットフォームのために働くことになってしまう。
創造的な人は、その行動から、奇妙、強烈、過敏、反抗的、極端、率直、引っ込み思案、表現力豊か、独りよがりなど、規範から外れた多くの特徴を持っていると誤解されがちだ。意図的であろうとなかろうと、こうした性質は目立つ傾向があり、抽象性に根ざした一種の創造性に包まれていることが多いため、解釈が難しい。そしてそれこそが、クリエイティブな人々（しばしば「アーティスト」と呼ばれる）をユニークなものにしている。彼らの「奇妙さ」は贈り物である。表現力は彼らの最大のライセンスなのだ。創作を始めてから死ぬまで、彼らの心は決して創作を止めない。彼らにとって 「引退 」などありえない。
尾道に行った最初の数回は、それぞれ個性を持った若いアシスタントたちと仕事をする機会があった。ある意味、それは幸せなことだった。他者との相性や、他者とうまくやっていくことの意味をよりよく理解するのに役立った。
YAMAMOTO :
(Re-visit Selected Attitude.)
2013年、アーティスト・イン・レジデンスのために私は尾道を訪れた。山本は、私をサポートしてくれた最初の熟練職人だった。彼は山手周辺の空き家を解体・修復した経験が豊富だった。初めて会ったその日から、彼は驚くほど博識で、自分の知っていることを分かち合いたがっているのがわかった。若いにもかかわらず、彼は非常に律儀だった。彼のエネルギーには並々ならぬものがあった。彼の態度は私とは正反対で、その対照的な態度に私は惹かれた。
彼は私を、鉄道沿いにある彼の家（三角堂）に連れてきてくれた。彼自身が修復したこの家は、私がこれまで出会った中で最も美しい思い出のひとつである。その家は、丘の角を切り取ったような小さな家だった。室内の重要な部分を占めていた引き出しの中には、小動物の骨や猫の遺骨がたくさん入っていたのを今でも覚えている。当時、私はまだ新米で、廃屋の持つ感情の重みを十分に理解できていなかった。しかし、山本の家を目の当たりにして、彼のクリエイティブな才能に深い感銘を受けた。彼には並外れたエネルギーがあり、深く創造的で、信じられないほど前向きだった。このような強い規律を持つ若いアーティストに出会うことは稀であり、創作の過程で時間と空間をこれほど賢く管理できる人はさらに稀である。
その時、『迷図』（2013年12月）というタイトルの作品を見る機会があった。その時、私は山本の才能は尾道を超えるもの、つまり居心地の良い場所を超えるものだと確信した。日本以外の世界を経験すれば、彼はもっと遠くへ行けると確信していた。というのも、私自身も似たような経験をしたからだ。
光明寺會舘で、若いアーティストたちが自分のポートフォリオを共有するために集まったときのことを今でも覚えている。山本が他に何をすべきかと私に尋ねたとき、私はためらうことなく「日本を出るべきだ！」と言った。尾道はあまりにも居心地がよかった。尾道があまりに居心地が良かったので、もし尾道に戻ることがあったら、二度と会いたくないとまで言った。尾道で同じサークルに囲まれて狭い世界の中にいるには、彼にはあまりにも才能がありすぎるとわかっていたからだ。彼はそれを超えて成長する必要があった。そして、彼にはそれができると思っていた。その2年後、彼はドイツに旅立った。私は本当に嬉しかったし、彼の成功を心から祈った。
2023年、私は尾道のシドラ・ハウスで、私が「脱構築的美学」をテーマに構想した空間内に、独立した図書館を彼と共同で設計した。彼はまず、関連する知識をすべて整理し、時間的にも空間的にも深い規律意識をもって作品を形作ってくれた。彼は私が伝えようとしていることを正確に理解し、そのビジョンに命を吹き込んでくれた。
それが山本であり、成功したいという純粋な願望に突き動かされ、成功を達成するのが簡単だと思わせる人物なのだ。
山本は、自らの美学を選択する際に思慮深く、知識と洞察力によって複雑なアイデアを実行に移す際に前向きな意欲を持ち続ける、驚くべき姿勢の持ち主だ。この点は、作品の主な力として感情に頼ることが多く、時には創作過程の一部として混沌を受け入れることもある多くのアーティストとは一線を画している。山本の強みは、感情に振り回されるアーティストの中では極めて稀な、感情に振り回されるのではなく、知性と明晰さをもって芸術に取り組むところにある。
私にとって山本は、アーティストの規律がいかに強く明確な創造の道を形作ることができるかを示す生きた証拠である。彼は間違いなく成功する運命にある。
‘It is an interpretation of creativity from a combination of external and internal identities that is significant.’
Selected Attitude is an observational assessment module I use to highlight the repositioning of identities of selected artists. The focus is on the real-life environments of these artists, once inhabited, and the collaborations that took place. For me, it’s a form of creative experimentation—an approach to better understand each artist as an individual, through a critical lens of their artistic values. This process helps me to shape a balanced collective among creative individuals who enter my domain, in a seemingly random yet organically structured way.
I believe it’s important that we all contribute critical and creative support to one another.
Many artists struggle to critically assess their own work, often choosing to follow existing platforms instead. As a result, they end up working for the art platforms, rather than truly creating art.
Creative individuals are often misunderstood because of their behavior—seen as strange, intense, overly sensitive, rebellious, extreme, outspoken, reclusive, expressive, self-indulgent, and many other traits that fall outside the norm. Whether intentional or not, these qualities tend to stand out and are difficult to interpret, as they’re often wrapped in a kind of creativity, rooted in abstraction. And that’s exactly what makes creative people—often referred to as “artists”—so unique. Their “strangeness” is a gift. Their expressiveness is their greatest license. From the moment they begin until the day they die, their minds never stop creating. For them, there’s no such thing as “retirement.”
The first few times I went to Onomichi, I had the opportunity to work with some young assistants who each had their own distinct personalities. In a way, it was a blessing—it helped me to better understand compatibility and what it means to truly work well with others.
YAMAMOTO :
(Re-visit Selected Attitude.)
In 2013, I went to Onomichi for an Artist in Residence program. Yamamoto was the first skilled craftsman to assist me. He had a wealth of experience in dismantling and restoring abandoned houses around the Yamate area. From the very first day I met him, I could tell he was incredibly knowledgeable—always eager to share what he knew. Though young, he was exceptionally disciplined. There was something extraordinary about his energy—a kind of fresh force. His attitude was the complete opposite of mine, and that contrast was exactly what drew me to him.
He brought me to see his house, which was located along a railway. He had restored it himself, and it remains one of the most beautiful memories I have ever encountered. The house was tiny—almost like a little slice carved out from the corner of a hill. I still remember the drawers, which formed a key part of the interior, filled with collections of small animal bones and the remains of a cat. At the time, I was still too new to fully grasp the emotional weight of abandoned homes. But seeing Yamamoto’s place, I was deeply moved by his ability as a critically creative individual—transforming a living space into something so unique and aesthetically rich. He had an extraordinary energy—deeply creative and incredibly positive. It’s rare to meet a young artist with such strong discipline, and even rarer one who manages time and space so wisely in the process of creation.
I had the chance to see his work titled Maze (December 2013) at the time. That moment assured me that Yamamoto’s talent needed to go beyond Onomichi—beyond his comfort zone. I was confident he could go much further if he experienced the world outside Japan. I say this because I had gone through something similar myself, and leaving my own comfort zone turned out to be one of the most valuable experiences of my life.
I still remember our gathering at Komyoji Kaikan, where young artists came together to share their portfolios. Yamamoto asked me what else he should do, and without hesitation, I said, “You need to leave Japan!” Onomichi was just too comfortable. I even told him that if I ever returned to Onomichi, I didn’t want to see him there again. I was quite blunt with him at the time—because I knew he was too talented to stay in a bubble, surrounded by the same circle in Onomichi. He needed to grow beyond that. And I knew he could do it. In my second year in Onomichi, he left for Germany to study the language—as a stepping stone to go further. I was so happy for him, and I sincerely wished him all the best.
In 2023, I collaborated with him to design a free-standing library within a space I had conceptualized under the theme of Deconstructive Aesthetic, at Siddra House, Onomichi. He began by organizing all the relevant knowledge and shaped the work with a deep sense of discipline—both in time and spatial awareness. He understood exactly what I was trying to convey, and he brought that vision to life.
That’s Yamamoto—driven by a genuine desire to succeed, and someone who makes achieving success seem effortless.
Yamamoto has a remarkable attitude—he’s thoughtfulness in choosing his own aesthetics and carries a positive drive when executing his complex ideas through knowledge and insight. This sets him apart from many artists who often rely on emotion as the primary force behind their work, sometimes embracing chaos as part of their creative process. Yamamoto’s strength lies in something quite rare among artists who are more emotionally driven—he approaches his art with intellect and clarity, rather than being swept away by feelings.
To me, Yamamoto is living proof of how an artist’s discipline can shape a strong and distinct creative path. There’s no doubt in my mind—he’s destined for success.
拡張された人間との出会い - 山本晶大の芸術的実践について / Encountering the Extended Human – On Akihiro Yamamoto’s Artistic Practice
アンドレアス・グライナー / Andreas Greiner
現代アーティスト / Artist
キール、ミュテシウス美術デザイン大学メディアアート教授 / Professor of Media Art, Muthesius University of Fine Arts and Design, Kiel
山本晶大は、無常、記憶、空間と文化の変容というテーマに深く根ざしたアーティストである。常に地震や津波に脅かされている日本の海岸沿いの村での幼少期から、不安定さと変化というモチーフが彼の作品を通して詩的に響いている。山本は、建築の断片や場所固有の歴史的文脈を用いて作品を制作している。彼はまた、有機的で生きているもの、そしてそれらが過ぎ去った後に残るものも取り入れている。これらは通常、私たちの知覚の周辺に残る要素である。
私が山本晶大に初めて会ったのは、2014年に百島で彼が私のインスタレーション「16 sqm」を手伝ってくれた時だった。その後、彼がドイツに滞在していた間（2015年から2018年）、私のベルリンのスタジオで私たちのコラボレーションは続いた。彼の職人技には目を見張るものがある。ある時は最もシンプルで繊細な手段を用い、またある時は膨大な労力と持久力を駆使して、古い木造家屋を手作業で解体した記録（Break Ruins, 2012）のように。彼は私たちの知覚を変化させ、平凡なものに詩的な意味を持たせることに成功している。彼の作品は、人間、空間、記憶の関係についての考察を促す。それらは、物質的な崩壊と文化的な記憶がいかに密接に絡み合っているかを示している。
昆虫、動物、植物、有機物、そしてそれらが朽ちていく過程が、記憶、変容、文化的意味と彼の芸術的関わりの中心となる。彼のインスタレーションは、廃墟と化した空間における昆虫の生命、文化的タブーの遺物としての動物の死骸の存在、あるいは冬における非人間的なものから人間的なものへの隠喩的な変容など、人間と自然との関係を扱っている（《空き家と雨と虫》2018年、《骨とミイラと》2019年、《変身》2020年）。
山本の作品の多くでは、文化史的、サイトスペシフィックな文脈に関わり、それをクロスメディア、しばしば思索的な形態に変換している。彼は、海水、砂、光を流木や歴史的な農具と組み合わせることで、地質学的、歴史的な変容に取り組み、記憶の壊れやすい地形を作っている（《昔、ここは海だった》2021年）。また、シャッターの閉まったショッピングモールの夜の空白を、世界的な商品の流通、静寂、不在が交錯するオーディオビジュアル体験に変える（《ショッピングモールは夢を見る》2024年）。
受賞歴のある最新のシリーズでは、山本は都市構造物の消滅を、道路用ストライプペイントで作られたマーキング-建物全体の不在を明らかにするシンプルな白い線-に置き換えている（《Lost Landscapes》2024年以降）。
長い間、直接の交流がなかったが、山本の最近の作品に触れ、彼の芸術的発展について新たな洞察を得ることができたのは喜ばしいことだった。それは私にとって新たな視点を開き、日本とドイツの両方の現代的な現実に関する深い問題を提起してくれた。山本は同僚であるだけでなく、最良の意味での教師であり、行動を通しての教師である。彼を知り、彼の仕事に同行できることを誇りに思う。
Akihiro Yamamoto is an artist whose practice is deeply rooted in themes of impermanence, memory, and spatial-cultural transformation. Shaped by his childhood in a coastal village in Japan—an area constantly threatened by earthquakes and tsunamis—the motif of instability and change echoes poetically throughout his practice. Yamamoto works with architectural fragments and site-specific historical contexts. He also incorporates organic, living agents—and what remains of them after their passing. These are the elements that usually remain at the periphery of our perception.
I first met Akihiro Yamamoto in 2014 on Momoshima when he helped me on my installation 16 sqm. Our collaboration continued later in my Berlin studio during his stay in Germany (2015–2018). His craftsmanship is remarkable: sometimes using the simplest, most subtle means, at other times with immense effort and endurance—as in the documented demolition of an old wooden house by hand (Break Ruins, 2012). He manages to shift our perception and charge the ordinary with poetic meaning. His works encourage reflection on the relationship between humans, space, and memory. They show how closely material decay and cultural memory are intertwined.
Yamamoto repeatedly focuses on non-human actors: insects, animals, plants, organic material, and their processes of decay become central agents of his artistic engagement with memory, transformation, and cultural meaning. His installations address the relationship between humans and nature—be it the life of insects in abandoned spaces, the presence of dead animals as relics of cultural taboos, or the metaphorical transformation between non-human to human in winter (Vacant House with Rain Leaking and Insects, 2018; Bones and Mummies, 2019; Die Verwandlung (Metamorphosis), 2020).
In many of his works, Yamamoto engages with cultural-historical and site-specific contexts, which he translates into cross-media, often speculative forms. He addresses geological and historical transformations by combining seawater, sand, and light with driftwood and historic agricultural tools into a fragile topography of remembrance (Once Upon a Time, Here Was the Sea, 2021). He turns the night-time void of a shuttered shopping mall into an audiovisual experience where global circulation of goods, silence, and absence intersect (Dreaming Shopping Mall After Closing, 2024).
In his most recent, award-winning series, Yamamoto translates the disappearance of urban structures into markings made with road striping paint—simple white lines that reveal the absence of entire buildings (Lost Landscapes, since 2024).
After a longer period without direct contact, it was a pleasure to engage with Akihiro Yamamoto’s recent works and gain renewed insight into his artistic development. It opened up new perspectives for me and raised profound questions concerning both Japanese and German contemporary realities. Akihiro Yamamoto is not only a colleague but a teacher in the best sense—a teacher through action. I am proud to know him and to accompany his work.
Begegnung mit dem erweiterten Menschen – Über Akihiro Yamamotos künstlerische Praxis
Akihiro Yamamoto ist ein Künstler, dessen Praxis tief in der Auseinandersetzung mit Vergänglichkeit, Erinnerung und räumlich-kultureller Transformation verwurzelt ist. Geprägt von seiner Kindheit in einem japanischen Küstendorf – einem Ort, der ständig durch Erdbeben und Tsunamis bedroht war – durchzieht das Thema von Instabilität und Wandel in poetischer Weise sein gesamtes Werk. Yamamoto arbeitet mit architektonischen Fragmenten und ortsspezifischen kulturgeschichtlichen Kontexten. Darüber hinaus mit organischen, lebenden Akteuren – und mit dem, was nach deren Ableben übrig bleibt. Es sind jene Elemente unserer Wahrnehmung, die gewöhnlich an deren Rand verbleiben.
Ich begegnete Akihiro Yamamoto 2014 auf Momoshima, als ich an der Installation 16 sqm arbeitete. Später setzte sich unsere Zusammenarbeit in meinem Berliner Atelier fort, während seines Aufenthalts in Deutschland (2015–2018). Beeindruckend ist seine handwerkliche Fähigkeit: Mal mit einfachsten, subtilen Mitteln, mal mit enormem Kraftaufwand und Ausdauer – wie bei der dokumentierten Zerstörung eines alten Holzhauses von Hand (Break Ruins, 2012) – gelingt es ihm, unsere Aufmerksamkeit zu transformieren und den Dingen neue Bedeutungen zu verleihen. Seine Arbeiten regen zur Reflexion über das Verhältnis von Mensch, Raum und Erinnerung an. Sie zeigen, wie eng materieller Verfall und kulturelles Gedächtnis miteinander verknüpft sind.
Yamamoto richtet seinen Fokus immer wieder auf nicht-menschliche Akteure: Insekten, Tiere, Pflanzen, organisches Material und deren Verfallsprozesse werden zu zentralen Trägern seiner künstlerischen Auseinandersetzung mit Erinnerung, Transformation und kultureller Bedeutungsproduktion. Seine Installationen thematisieren das Verhältnis von Mensch und Natur, sei es durch das Leben von Insekten in verlassenen Räumen, die Präsenz toter Tiere als Relikte kultureller Tabus oder durch die metaphorische Verwandlung von Nicht-Mensch zu Mensch im Winter (Vacant House with Rain Leaking and Insects, 2018; Bones and Mummies, 2019; Die Verwandlung (Metamorphosis), 2020).
In vielen seiner Werke arbeitet Yamamoto mit kulturhistorischen und ortsspezifischen Schichten, die er in medienübergreifende, oft spekulative Formen übersetzt. So thematisiert er geologische und historische Transformationen, indem er Meerwasser, Sand und Licht mit Treibholz und historischen landwirtschaftlichen Werkzeugen zu einer fragilen Topografie des Erinnerns kombiniert (Once Upon a Time, Here Was the Sea, 2021). Auch die nächtliche Leere eines geschlossenen Einkaufszentrums überführt er in eine audiovisuelle Landschaft, die globale Warenkreisläufe, Stillstand und Unsichtbarkeit miteinander verwebt (Dreaming Shopping Mall After Closing, 2024).
In seiner jüngsten, preisgekrönten Werkreihe übersetzt Yamamoto das Verschwinden städtischer Strukturen in Markierungen auf Asphalt – einfache weiße Linien, die den Verlust ganzer Gebäude sichtbar machen (Lost Landscapes, seit 2024).
Nach längerer Zeit ohne direkten Austausch war es mir eine Freude, durch die Auseinandersetzung mit seinen jüngsten Arbeiten erneut Einblick in Akihiro Yamamotos künstlerische Entwicklung zu gewinnen. Es hat mir nicht nur neue Perspektiven eröffnet, sondern auch tiefgehende Fragen zur japanischen wie deutschen Gegenwart aufgeworfen. Für mich ist Akihiro Yamamoto nicht nur ein Kollege, sondern ein Lehrer im besten Sinne – ein Lehrer durch sein Tun. Ich bin stolz, ihn zu kennen und sein Werk begleiten zu dürfen.
対話から作品を生み出す
橋本誠 / Makoto Hashimoto
企画・編集者
ノマドプロダクション 代表理事
宇野港編集室 代表
山本晶大は、その土地・空間との対話から巧みに作品を生み出す。それは、単に場所に合わせたインスタレーションという意味にとどまらず、その場所の環境、歴史、文化的な背景を取り込んだサイトスペシフィックワークであり、人々が見過ごしているものごとに対する、彼の視点が合わせて提示されている。
例えば岡山県早島町にある古民家を再生した文化施設「いかしの舎」を会場にしたインスタレーション《昔、ここは海だった》（2021）。かつての瀬戸内海の内海「吉備の穴海」を表現するだけでなく、人が山の木々に手を入れ、干潟を干拓し、生態系を変えてきた歴史を経て今の姿があるということを伝える作品になっている。これを見る者は、和室の中央に再現された穴海、床の間に置かれた鍬、壁に反射してゆらめく光、カブトガニの剥製など個々の要素の美しさ、儚さにまず目を惹かれるだろうが、それぞれが意味することに向き合う中で、人と自然の関係について、それぞれの思いを巡らせることになるのである。
また、近年取り組んでいる《Lost Landscapes Series》も面白い。建物が取り壊され、駐車場となっている土地の形状をしたアスファルトの下地に、かつて建っていた建物を白線用の塗料で描いている。さらに光を当てると、反射塗料で描いた駐車場の区割りが浮かび上がるという仕掛けもある。ある土地が、ある時に駐車場に変わってしまったという事象を彼なりに形に留めた作品だ。
山本の作品の特徴として、コンセプトにより多様なメディウムを使い分けているにも関わらず、ほぼ自らの手で制作を行っている点も挙げておきたい。さらに言えば、（多くの作家がそうであるように）手法とテーマの掛け合わせにより制作を重ねてきたというよりは、古民家の改修、アーティスト・アシスタント等のキャリアの中で身につけてきたスキルや、その土地や建物に対する眼差しを自然に組み合わせて制作活動に活かしているように見える。
彼の古民家改修の現場や視察に居合わせたことが何度かあるが、建物の立地、基礎や梁、瓦の状態などから、改築を重ねてきたかもしれない建物の歴史を推察し、そのコンディションを的確に把握する能力に驚いた。また、ちょっとした特徴を活かした造作や、施主の意向を汲み取ったアイデアが、その実現方法と共に次々と出てくる。与えられた状況の中から、素早く創造的な回答を導き出すことに長けているそのスキルは当然、自らの制作活動にも存分に生かされていることだろう。
古民家、ショッピングモール、駐車場etc…山本が選んできた制作の舞台は、芸術祭・アートプロジェクトが興隆する日本においてはさほど珍しいものではなくなってきている。だからこそ、なぜそこで制作し、何を表現するのかが問われる。普段から生活の場を地方都市におき、その変化に日々向き合いながら、時には生業としても地域に関わる彼が、作品の制作を通してその土地・空間と対話していく様に注目し続けたい。
Writing
ADF Web Magazine - author Akihiro Yamamoto
青山デザインフォーラムが運営しているウェブマガジンにて、アートやデザイン、建築（古民家や空き家問題）に関する記事を書かせて頂いています。だいたい月一更新。
My monthly article about art, design and architecture. You can choose English or Japanese at the left side of top menu.
Shikano Art Festival 2020 Program-B Column 「鹿野採話集」& 鹿野滞在コラム
「鹿野芸術祭2020 小さな花束のように」に鹿野の方々からのお話を集めたものを掲載させて頂いております。「鹿野芸術祭2020 小さな花束のように」は、新型コロナウィルス感染症の影響により本来予定していた滞在制作や展示を行うことが困難となったため、従来の方式を取りやめてアーティストの絵画や文章などを掲載した紙面を鹿野町の家々に配布し、同時にWeb掲載を行って、滞在制作や展示にかわる方法で鹿野町の人々にアートをお届けし、アーティストと住人の方々との交流を図る企画です。私はプログラムBの「鹿野採話集」という企画をさせていただいています。（連載期間は終了しております。
Sorry, this column is Japanese only.
I am publishing a collection of stories from the people of Shikano in "Shikano Art Festival 2020: Like a Small Bouquet". Due to the effects of the new coronavirus infection, it has become difficult to hold the residency and exhibition that was originally planned for the Shikano Art Festival 2020, so we have decided to cancel the traditional method and distribute a publication of the artists' paintings and writings to the villagers of Shikano. This is an alternative to residencies and exhibitions, and it is a way to deliver art to the people of Shikano and promote interaction between artists and residents. At the same time, we are also posting about the Shikano Art Festival on the web to let as many people as possible know about it. I am working on a project called " Shikano Story Collection", which is part of Program B. Since the monthly series of articles for the year 2020 has ended, I will be updating the articles irregularly with stories related to the fieldwork I did in Shikano in October 2021.
ZINE まちを読む
まち歩きワークショップの講師をしている際に、建物の年代を推測するための情報をまとめた資料があったらいいなと感じたことから作った、まち歩きのためのZINEのシリーズです。
「Vol.1 民家の屋根を読む」「Vol.2 家の基礎を読む」を宇野港編集室やZINEイベントなどで販売しております。
This is a series of zines for city walkers, created when I was teaching a city walk workshop and wanted a booklet of materials to help people guess the age of buildings.
Vol. 1, which is about roofs, and Vol. 2, which is about foundations of buildings, are available at zine events.
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